Native de Montréal, Isabelle Boulanger étudie la danse à L’EDCMTL, L’école de danse contemporaine de Montréal,  où elle termine en mai 2011. Souhaitant faire de la danse un art accessible à tous, Isabelle aborde ses créations avec humour, légèreté et dérision.

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À l’automne 2011, elle présente sa première pièce Une grande fente pour dire «allô» dans le cadre du concours chorégraphique Danses Buissonnières de Tangente. Dû à « un style chorégraphique cristallin, ce qui est assez surprenant pour une jeune chorégraphe » (- Dena Davida, codirectrice artistique de Tangente), elle y obtient son laissez-passer pour la programmation de la saison 2012-2013 de Tangente et y présentera sa deuxième création Fente-Toi! Au cours des années suivantes, Isabelle est invitée à présenter ses pièces dans divers contextes (écoles secondaires, Festival et Théâtre à travers le Canada) ainsi qu’à titre de chorégraphe invité dans plusieurs écoles de formation professionnelles en danse contemporaine. Ayant été remarqué par le Cirque du Soleil lors de la présentation de sa pièce Fentes 1 à 3 (2013), Isabelle se voit remettre une subvention ainsi que la mention prix coup de cœur. Son désir d’aller à la rencontre des jeunes à travers son propos a amené la chorégraphe à participer à plusieurs activités de médiations culturelles au sein de divers établissements scolaires. Lors de son passage à l’école  secondaire Lucien-Pagé, dans le cadre du projet Une école accueille un artiste, Isabelle en collaboration avec Tangente, ont mené un projet de sensibilisation à l’image de soi à travers un processus de création. Le projet s’est vu remporté le prestigieux prix Essor de la Culture! En juin 2016, la jeune chorégraphe présenta sa dernière création Sans Lactose au Canada Dance Festival, puis elle chorégraphie une pièce originale pour le Festival Danse Atlantique sur le thème de confédération Canadienne. Elle signe également les chorégraphies pour les vidéos clips d’Arianne Moffatt Debout, de Stéphanie Lapointe Les Amours Imaginaires et de Cœur de Pirate Undone. Enfin, Isabelle est présentement en studio pour sa prochaine création qui sera présentée en 2018.

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DÉMARCHE ARTISTIQUE

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L’affirmation de mon identité artistique est étroitement liée à un mode de création fondé sur l’esprit de collégialité, découlant de ma relation avec des danseurs qui sont avant tout des amis. Ensemble, nous formons un noyau dur dont l’audace, l’énergie, le dynamisme et la folie favorisent une parfaite cohésion tant du côté de notre manière de faire la danse, que du côté de ce que nous voulons traduire sur scène.

 

Comme une caricaturiste, je m’intéresse à la physicalité et aux traits de personnalité des danseurs et je prends un sérieux plaisir à redessiner leur profil. Pour Faux Seins, le groupe formé par les interprètes fera office d’échantillon sociétaire. Leur profil sera redessiné selon le rôle qu’ils occuperont dans le groupe et leur personnalité amplifiée pour laisser place aux pulsions et aux comportements humains qui normalement resteraient refoulés. Par la suite, je procèderai avec l’idée de tâches à exécuter (je stimule l’interprétation des danseurs en leur demandant d’exécuter plusieurs tâches contradictoires simultanément) pour animer ces personnages que sont devenus les danseurs. C’est ainsi que peu à peu, je façonne leur identité langagière. Dans un contexte plus large, les tâches confiées à chacun des interprètes convergent vers une quête commune. L’absence d’unanimité dans le synchronisme crée une distension esthétique. Si tous les mouvements semblent participer au même registre collectif, la performance respective des interprètes crée une vision hétérogène dans la danse.

 

À cela s’ajoute l’utilisation de différentes stratégies pour guider le regard du spectateur rattaché à l’espace et au temps, qui ont pour effet de donner un rythme à mes pièces. Au final, des personnages exacerbés aux identités contrastantes se retrouvent dans un chassé-croisé absurde, où le spectateur se fraie un chemin, réagit à l’action et participe à l’énergie rebondissante du spectacle.

 

Comme il m’importe de nourrir les diverses façons de susciter la réaction du public, je me sers aussi des codes de la culture populaire, reflet de ma grande affinité avec la mode. Ces codes se reflètent non seulement dans mes choix musicaux, du côté des costumes, de la lumière et de la scénographie, mais aussi dans les thèmes que j’aborde. Tous ces éléments constituant des références populaires sont autant de moyens pour favoriser l’accessibilité à mon travail en danse contemporaine. Il va de soi que les études que je poursuis actuellement en gestion à l’Université du Québec à Montréal influencent aussi ma démarche. Les notions de tendance, d’images de marque et de marketing agissent sur ma façon de créer et de présenter mes pièces. L’approche fait partie des « raccourcis » que j’exploite pour toucher le spectateur avant qu’il ne se perde dans ses réflexions. Parce que je lui propose des éléments avec lesquels il est familier, le spectateur ressent et réagit plus qu’il n’intellectualise son expérience. Je provoque le rebond de l’énergie de la scène vers la salle et vice-versa. Je place le spectateur en position réactive. Active. Le spectateur est capable de réagir à l’action sur scène. C’est dans l’articulation de ce langage et du dialogue que j’instaure que se développe l’essence même de ma démarche artistique.